Marcus Pfeil – “Inside ATOMS FOR PEACE”

“Atoms for Peace”, the slogan of the International Atomic Energy Agency (IAEA), originates in a speech given by Eisenhower in 1953, in which the US-President encouraged the peaceful use of nuclear energy under the umbrella of an  international agency. After its foundation in New York in 1957, the IAEA moved to Vienna, where the Vienna International Center has been its administrative base since 1979. Stradtmann’s photographs show interior scenes of the building, which was constructed in the 1970s.

The focus of the IAEA is above all the invisible – nuclear energy. IAEA monitors the production of nuclear power and its use, and sends inspectors to power plants in Iran and North Korea on a regular basis. The visible and public image of the IAEA consists in press conferences with the general secretary Yukiya Amano, for example when he reported on the latest developments in Fukushima in front of an oversized logo of the agency; or the coverage of inspectors in white protective clothing surrounded by machinery and technology which might be used to produce nuclear weapons.

With the series „Inside ATOMS FOR PEACE“, Stradtmann composes an aesthetic image of the IAEA. The photos gain their power from the formal arrangement of deserted spaces and the impression that these spaces belong to a different time: we see abandoned workplaces, empty desks, a lectern with a bouquet of lilies in the foreground, a covered instrument in front of closed blinds, a hat stand, an empty conference room, a turnstile, balloons on desks. Were the workplaces tidied up, did the documents go to the archives to be stored forever? Are the balloons the remains of a farewell party? Have the coats been taken from the hatstand one last time? Does the turnstile lead to a more actual world?

The motifs foreground emptiness and absence. They suggest that the people who lend life and meaning to the IAEA-, have left the building forever. Do the photos point to the future of the agency? With his series Stradtmann raises issues and questions that are of interest to the broader public – and not just since and because of Fukushima. Hasn’t the peaceful use of nuclear energy long since proved to be an illusion? And if so, what is the role of the IAEA?

It is not too farfetched then to see this work as an obituary for the IAEA. At the same time, however, the photos exhibit a strong curiosity about the objects and spatial settings in the agency and the functions that relate to them. Stradtmann is concerned with the inspection of things and spaces, with a look behind the scenes, providing insights into and images of things that usually remain invisible or go unnoticed. Like the operative function of the IAEA safety inspectors, the work provides documentation on an agency which pursues its tasks in the science fiction interior of the 1970s – a time when people still euphorically believed in the peaceful use of nuclear energy.” (Text: original published in German.)

Marcus Pfeil, author, MedienManufaktur Wortlaut & Söhne, 2012



Dennis Brudna – “Garden of Eden”

Die umliegende, aus Glas und Beton gebaute Welt bleibt unsichtbar. Das gnädige Grün versperrt den Blick auf die kalte Pracht der Gebäude, die, würde man sich des mittelalterlichen Weltbildes bedienen, das Böse, das Satanische beherbergen, das mit Feuer und Schwert zu bekämpfen ist – die Banken. Mitten in den Londoner Docklands, in Canary Wharf, stehen unübersehbar imposant die gläsernen Monolithe der Finanzohnmacht. Hier lehnt sich eine Bank an die andere, als würden sie sich – nahezu sinnbildlich – gegenseitig stützen wollen. Und genau hier wurde der Jubilee Park als eine Art Minierholungszone angelegt. Ein Park mit verwunschenen Ecken, wo die durch Stress geplagten Banker den Bäumen ihr Leid klagen können.

Jan Stradtmann suchte zu Beginn der Finanzkrise im September und Oktober 2008 nach einem Ort, wo sich das Thema Finanzkrise fotografieren ließ. Mit dem Jubilee Park, als Metapher für den „Garten Eden“, fand er die geeignete Kulisse. Die Szenerie wird vom Grün der Bäume und Sträucher beherrscht. Es sind Banker, die hier ihre Mittagspause verbringen und in diesen bewegten Zeiten an einem solchen Ort zwangsläufig zu Symbolfiguren mutieren. Hilflos und etwas verloren wirken sie in der scheinbar undurchdringlichen, paradiesischen Natur – in einer Welt, die sie nach begangenen Sünden auszustoßen droht. Stradtmann hält in seinen Bildern Distanz und nimmt die Rolle eines stillen Beobachters ein. Ohne die jeweiligen Situation dramatisieren zu wollen, rückt er die Protagonisten in den Mittelpunkt seiner als Diptychen konzipierten Arbeit. Die Spannung entsteht aus der Konfrontation der geheimnisvoll wirkenden Gartenansichten mit den Darstellungen der Banker. Ein Mobiltelefon in der Hand, rauchend, im Gespräch vertieft, erfüllen die im typischen Businessdress gekleideten Personen einerseits die gängigen Vorstellungen von dieser Berufsgruppe, durch Stradtmanns konzeptuelle Ausrichtung und im Wissen um die aktuelle Krise erfahren sie jedoch eine symbolhafte Aufladung.

Für die im nachhinein als undurchsichtig anmutenden Finanztransaktionen stehen bei Stradtmann jene Bilder, in denen die Natur ein urwaldartiges Dickicht bildet. Auf der anderen Seite stehen die Akteure, die, gestrandet, in der Geschlossenheit eines paradiesischen Parks, gefangen werden. Die Bildpaarungen erzeugen eine Spannung und transferieren die Arbeit von einem rein dokumentarischen Fundament zu einer assoziativ aufgeladenen Metapher. Die umliegenden Banken, lässt der Fotograf nur als eine Art Fata Morgana durch die Baumwipfel blitzen. Als distanzierter Beobachter „observiert“ Stradtmann seine Protagonisten und „inszeniert“ ein rätselhaftes Szenario. An dieser Stelle berührt die Fiktion wieder die Realität.

Denis Brudna, Photonews, Ausgabe Mai 2009



Dr Elizabeth Savage – “Garden of Eden”

During the start of the financial crisis in September and October 2008, Stradtmann went regularly to Canary Wharf, fascinated by the atmosphere at London‘s financial district. He discovered a small park between the towers where bankers went to eat lunch. Watching them bring the crushing pressure of the office environment, their natural habitat, into this green haven, he felt he was witnessing a sort of violation. To him, the park became a stage for repeated subverted reenactments of the Fall of Man: men suffering despair and loss that came from power and greed were fleeing into the Garden of Eden. Their stress made them lonely, often hiding, whispering or turning away from others seeking solace in the park. These photographs acknowledge the invisible, unexplainable phenomenon behind the financial games whose role nobody can truly understand but whose pervasive influence everyone must acknowledge. The combination of the portraits with views from the park underlines the mystery in the religious sense: in these photographs, the natural (but constructed) refuge reconstructs the symbolic meaning of the Garden of Eden as both, a place of paradisiacal innocence and the site of the origin of sin and mankind‘s wrongdoing.

In Medieval and Renaissance religious thought and art, the Fall of Man could be the antitype of the Annunciation: woman brings despair upon humanity in the Old Testament and then redeems humanity in the New Testament. Continuing a visual convention established over centuries of the history of art, this series of photographs depicts the Annunciation in a way to which the viewer can relate, with contemporary dress in a contemporary setting. Acknowledging the weight of the tradition he is subverting, Stradtmann adopted the standard convention of separating the spiritual/powerful world and the earthly/human world. Rather than depicting the separation pictorially, he chose the manner of dividing them physically. Each pair of photographs, therefore, is actually a diptych that subverts both type and antitype: regardless of gender, chosen recipients are receiving devastating, not joyful, news; it often issues from an unseen source that is accessible only to the recipient (ie, mobile phone) or a messenger from whom the recipient averts his or her eyes; the reactions are muted and defeated, not humble; the magnitude of the message and its effect on the recipients is apparently difficult to comprehend, but understood by the viewer as having an imminent and lasting impact on the world.

Stradtmann‘s diptychs index the monumentality of the crash, both for the unwilling vehicles of it, the bankers, and also for the viewers, who are forced to relate to the personal ramifications of this event through the inherited visual language of religious art. The iconographical language he has adopted draws on centuries of Western depictions of crucial Biblical scenes, interpreting a catastrophe with Old and New Testament references. It emphasizes the larger-than-human scale of the crash, which, in this series, seems incomprehensible even to those whose work gave birth to it.

Dr Elizabeth Savage, Cambridge University, in “DAADADA”, DAAD Scholarship Holders, published by DAAD (German Academic Exchange Service) London, 2009



Bridget Coaker – “Manor Garden Allotments”

„Manor Garden Allotments“ is a visual memorial to the gardens that were demolished to make way for the 2012 London Olympics. Interested in the effect such large scale construction projects have on an area and its residents, Jan Stradtmann saw the eviction of the allotment holders as symbolic of the disruption and often life-changing consequences that emanate from regeneration schemes. Disconnected from the city on a small island in the East End of London, the Manor Garden Allotments were a collection of 80 garden plots, tended by local families, many of whom had worked on the small plots of land since the 1920s. In October 2007 they were demolished to make way for the 2012 Olympics. Shooting at night and influenced by the flash photography of Weegee‘s famous crime images, Stradtmann selected the garden sheds as his objects of evidence. Standing proud against the night sky and pregnant with the history of their owners, each shed becomes a character in Stradtmann‘s story. With their individual designs and use of ad hoc recycled materials they are all different, bringing into visual relief each of the allotment gardeners‘ own personalities. Curtains at the windows and numbers on the doors remind us that once there was a human spirit associated with these places.

Bridget Coaker, curator, picture editor and founder of Troika Editions, 2012



Ann-Christin Bertrand – “Bright Before Me the Signs Implore Me”

In Jan Stradtmanns fotografischer Porträtserie “Bright Before Me the Signs Implore Me” schafft der Künstler keine Porträts im klassischen Sinne, sondern vielmehr Sinnbilder jenes Momentes, in dem wir aus einer Vielzahl vorangegangener Überlegungen heraus zu einer wichtigen Entscheidung gelangen – »das Entscheiden wird zum Eigentlichen«, wie er selbst sagt. Immer innehaltend in ihrem äußeren Tun, zeigen sich die Porträtierten oftmals geistesabwesend, selbstvergessen, gedankenverloren. Den an sich unaufgeregten, alltäglichen Handlungen oder Situationen, in denen sie sich befinden, wird dadurch eine Bedeutung und Aussergewöhnlichkeit zugeschrieben, welche durch die auffallend kontrastreiche Lichtführung noch verstärkt wird und den Aufnahmen hier geradezu allegorischen Charakter verleiht. Absolute, ja fast meditative Stille liegt über diesen Fotografien und lässt Assoziationen an Vermeers Genrebilder aufkommen. Die Menschen, die Stradtmann hier porträtiert, sind folgerichtig weniger als Individuum von Wichtigkeit – dies zeigt auch die Tatsache, dass der Künstler eine konkrete Titelgebung verweigert – sondern dienen als Ausdrucksträger einer Entscheidungsfindung, um deren Darstellung es Stradtmann geht. Mit diesem streng konzeptionellen Vorgehen mag Stradtmanns’ Herangehensweise an August Sanders Werk Antlitz der Zeit – Menschen des 20. Jahrhunderts erinnern. Auch hier zählte nicht das Individuum, sondern das Konzept hinter den fotografischen Porträts: Dies zeigt sich unter anderem daran, dass Sander die Porträtierten nicht mit ihrem Namen, sondern mit ihrer Profession bezeichnete und sie somit zu typologisierten Stellvertretern bestimmter, Anfang des 20. Jahrhunderts vorherrschender, beruflicher Klassen und Schichten werden ließ. Die ausgeklügelte kompositorische Präzision sowie die kontrastreiche Lichtführung in Stradtmanns Aufnahmen lässt jedoch sein bewusst inszenierendes und konstruierendes Eingreifen erkennen. So wirken die Fotografien – ähnlich wie die sogenannten Filmstills – wie destillierte, eingefrorene Momente einer wesentlich längeren Narration, was den bereits erwähnten Moment des Innehaltens der Porträtierten noch unterstreicht. Durch diese Annäherung an kinematografische Ästhetiken erinnert Stradtmanns Arbeit wiederum an zeitgenössische Fotografen wie z.B. Jeff Wall oder Philipp Lorca diCorcia, deren Fotografien sich durch eine bewusste Ambiguität von Wirklichkeit und Fiktion auszeichnen, die in der zeitgenössischen künstlerischen Fotografie ab den 1970er Jahren in vermehrter Form zu beobachten ist.

Ann-Christin Bertrand, Kuratorin bei C/O Berlin, in Der erste Schritt – Der Einzelne und sein Leben im System, 2010. edition Koerber-Stiftung, Hamburg